어떤 작품이 당신의 시선을 머물게 하나요?Which works hold your gaze?
01
Joaquín Sorolla
b. 1863, 스페인 발렌시아 · d. 1923, 세르세디야 · 스페인b. 1863, Valencia, Spain · d. 1923, Cercedilla · Spanish
Spanish ImpressionismLuminismPlein Air
Artist Statement
"I do not paint sadness. I believe only in light."
Practice
지중해 해변의 빛·물·인물을 그린 루미니즘 회화의 거장. 야외 직접 제작(plein air)으로 햇빛 아래 색채와 형태의 변화를 포착했다. 대표작으로는 〈슬픈 유산〉(1900 파리 만국박람회 대상), 〈해변의 산책〉, 히스패닉 소사이어티 벽화 연작 〈스페인의 환영〉(14점, 총 227m²)이 있다. 2,000점 이상의 작품을 남겼으며, 마드리드 소로야 미술관(옛 작업실 자택)이 최대 컬렉션을 소장한다.
Sorolla was the supreme luminista painter — capturing Mediterranean light on water, bodies, and white fabric through direct plein-air observation. His breakthrough, Sad Inheritance, won the Grand Prix at the 1900 Paris Exposition Universelle. His 1909 solo exhibition at the Hispanic Society of America drew 160,000 visitors and led to a portrait commission from President Taft. His magnum opus is the Vision of Spain mural cycle (14 panels, 227m²) for Archer Huntington. He left over 2,000 works; the Museo Sorolla in Madrid — his former studio home — holds the largest collection.
주요 전시Major Exhibitions
2026《A Living Vision: the Sorolla Gallery at 100》 Hispanic Society of America, New York 2026.5.21–2027.5.27
2026《소로야의 바다》 Palau Martorell, Barcelona / The Sea of Sorolla, Palau Martorell, Barcelona2025.12–2026.4
2026반카하 재단, 발렌시아 — 소로야 미술관 걸작 60점 순회 / Bankaja Foundation, Valencia — 60 masterworks from Museo Sorolla on tour2025.10–2026.4
2009New York Hispanic Society solo — 160,000명 방문, 루스벨트·태프트 대통령 초상 위촉
1900Grand Prix, Exposition Universelle, Paris
경매가Auction Records
연도Year
작품Work
경매사House
낙찰가Result
2012
Pescadores Valencianos
Sotheby's London
£4.0M (~$5.95M) — auction record
2019
El bote blanco, Jávea
Sotheby's NY
$2.89M
2018
Barcas de pesca en la playa
Christie's London
£1.56M
2021
Valencia, la pesca de la tarde
Sotheby's NY
$1.02M
중간 시장(소형 해변 습작·초상): $150K–$1M 구간에서 활발 거래.
Mid-market (small beach studies, portraits): active trading in the $150K–$1M range.
b. 1990, 프랑스 아장 · 거주: 파리 · 프랑스b. 1990, Agen, France · Lives: Paris · French
Figurative PaintingFauvismSelf-Portrait
Artist Statement
"Naturally, I was very attracted by the cliché and idealistic representation of the female body — like so many posted on Instagram. I wanted to counter that with something more truthful: the forgotten forms of flesh."
Practice
포비즘(Fauvism) 색채를 바탕으로 한 생동감 넘치는 구상 회화. 자화상과 여성 신체의 파편(손끝, 광대뼈, 눈두덩) — 사회가 요구하는 이상화된 신체 대신, 일상에서 잊혀온 살의 형태를 그린다. 빛의 변주와 피부톤·그림자 탐구를 통해 자기 신체와 여성성을 되찾는 작업이다. 소셜미디어를 통해 초기 인지도를 쌓았으며, 알민 레쉬 전속과 리졸리 모노그래프 출판으로 기관적 위상을 확립했다. 피카소·로댕·카미유 클로델을 주요 영향으로 꼽는다.
Figurative painting in the Fauvist tradition — fragmented female forms (hands, cheekbones, eyelids) as a counter to idealised social media imagery. Her exploration of light variation, skin tone, and shadow reclaims the body on her own terms. She built an early following online before formalising her position through representation with Almine Rech and a Rizzoli monograph. Key influences: Picasso, Rodin, and Camille Claudel.
주요 전시Major Exhibitions
2025《Skin of a Storm》 Almine Rech, Tribeca, New York
2024《Visages》 Almine Rech, New York · 《Les Silences du Désir》 Almine Rech, Shanghai · 《Le Jour des peintres》 Musée d'Orsay, Paris
2023《Pourfendue》 Almine Rech, London · 《Perchée》 Ketabi Bourdet, Paris
2022《En chair et en os》 Van de Weghe, New York
2018《Sous Le Soleil》 HVW8, Los Angeles US debut; Juxtapoz Spring 2018 cover
경매가Auction Records
2차 경매 기록은 제한적이며 갤러리 1차 시장 중심으로 유통된다. 소형 작품 약 €5,000–€15,000, 대형 회화 €30,000 이상 추정. 알민 레쉬 전속 이후 시장 형성이 빠르게 진행 중.
Secondary market records limited; primary gallery market dominates. Small works c. €5,000–€15,000; large paintings estimated €30,000+. Market development accelerating following Almine Rech representation.
Markus Muntean b. 1962 오스트리아 그라츠 · Adi Rosenblum b. 1962 이스라엘 하이파 · 1992년부터 협업 · 빈/런던/텔아비브Markus Muntean b. 1962 Graz, Austria · Adi Rosenblum b. 1962 Haifa, Israel · Collaboration since 1992 · Vienna / London / Tel Aviv
"We are interested in the gap between what we are told life should be and what it actually is — the young people we paint occupy that gap."
Practice
잡지·인터넷·SNS의 청년 이미지를 르네상스 회화 구도의 집단 초상으로 전환하고, 문학·철학·광고에서 가져온 텍스트 캡션을 덧붙이는 대형 유화가 핵심. 공항·쇼핑몰·호텔처럼 누구에게도 귀속되지 않는 익명의 공간에서 스마트폰을 보거나 허공을 응시하는 인물들 — 현대적 실존의 양가성, 불안, 덧없음이 주제다. 회화 외에 영상·설치·조각·드로잉으로 작업을 확장하며, 문화적 맥락이 다른 텍스트들을 병치한다. 컬렉션: MoMA, 알베르티나(비엔나), 루벨 패밀리 컬렉션(마이애미) 등.
Large-scale figurative paintings sourced from magazines and social media, recomposed as Renaissance-style group portraits with text overlays from literature, philosophy, and advertising. Figures occupy airports, malls, hotels — anonymous transit spaces — staring at phones or into the middle distance. The subject is existential ambivalence: the gap between what life is and what it is supposed to be. The practice extends into video, installation, sculpture, and drawing. Collections: MoMA, Albertina (Vienna), Rubell Family Collection (Miami).
주요 전시Major Exhibitions
2026《Uncertainty's Grace》 Braverman Gallery, Tel Aviv
2025《Many Kinds of Silences》 Budapest
2024《Mirror of Thoughts》 Städel Museum, Frankfurt
2022Albertina Museum, Vienna major retrospective
2018《Walking Wounded》 MOCAK, Krakow · MAC, A Coruña
2005Venice Biennale international breakthrough
2001City of Vienna Prize for Visual Arts
경매가Auction Records
Artnet 기준 170점 이상 경매 기록. 전형적 범위: 대형 회화 €30,000–€120,000. 드로잉·종이 작업 €5,000–€25,000. 갤러리 1차가는 비공개.
170+ auction records on Artnet. Typical range: large paintings €30,000–€120,000; works on paper €5,000–€25,000. Gallery primary prices undisclosed.
b. 1985, 영국 · 거주: 런던/파리 · 영국b. 1985, UK · Lives: London / Paris · British
Sound ArtAcoustic ResonanceInstallation
Artist Statement
"Every space has a voice — a resonant frequency that has existed since the moment it was formed. My work is about finding that voice and making it audible."
Practice
런던에서 작곡을, 옥스퍼드 러스킨 스쿨에서 미술을, 소르본에서 영화이론을 공부했다 — 소리·공간·건축의 교차가 작업의 핵심이다. 대표 시리즈: ①〈Resonance Project〉: 건축 공간 고유의 진동수를 목소리로 울리는 퍼포먼스 및 설치(퐁피두 센터, 이스탄불 해맘, 구석기 동굴까지). ②〈Resonance Paintings〉: 캔버스 위에 안료를 올리고 아래에서 스피커로 진동시켜 소리의 형태를 회화로 옮긴 작업 — 클라드니 패턴의 예술적 전용. ③〈Resonance Project: The Cave〉(리옹 비엔날레, 2024): 도르도뉴 구석기 동굴 퐁드곰에서 루퍼스 웨인라이트 등 8인의 목소리를 녹음해 8채널 영상·16채널 사운드 설치로 구현 — '비엔날레의 정점'이라 평가받았다.
Trained in music composition in London, fine art at Oxford's Ruskin School, and film theory at the Sorbonne — the intersection of sound, space, and architecture defines the practice. ① Resonance Project: identifies and amplifies each site's unique resonant frequency through voice, from the Centre Pompidou to Istanbul hammams to Palaeolithic caves. ② Resonance Paintings: dry pigments placed on canvas over loudspeakers, vibrated into Chladni-pattern formations — sound made visible. ③ Resonance Project: The Cave (Lyon Biennale, 2024): eight singers including Rufus Wainwright and Woodkid recorded their earliest musical memories inside Dordogne's Font-de-Gaume cave — critics called it 'without doubt the climax of the Biennale.'
주요 전시Major Exhibitions
2026《The Sky in the Cave》 Thaddaeus Ropac, London 2026.6.5–7.31
2025《Resonance Paintings: The Cave》 Thaddaeus Ropac, Paris
2024《Resonance Project: The Cave》 17th Biennale de Lyon "climax of the Biennale"
2020Solo exhibition, Musée d'Art Moderne de Paris
2013Resonance Project, Centre Pompidou, Paris
2011Live Fire Exercise (with Wayne McGregor), Royal Opera House, London
경매가Auction Records
갤러리 1차 시장 중심. 〈Resonance Paintings〉: 소형 €15,000–, 대형 €80,000+. 대형 사운드 설치는 커미션 방식. 2024 리옹 비엔날레 이후 시장 위상 급상승 중.
Gallery primary market. Resonance Paintings: small works from €15,000; large works €80,000+. Large sound installations are non-commercial commissions. Market position rising sharply post–Lyon Biennale 2024.
b. 1984, 한국 · 서울 활동b. 1984, South Korea · Based: Seoul
조각 / Sculpture생물형태 / Biomorphic신기술 비판 / New Technology Critique
학력 / 수상Education / Awards
Goldsmiths, University of London 순수미술 졸업 · 2020 수림미술상 수상 · 2024 아트바젤 스테이트먼츠(Art Basel Statements) 섹터 선정
BA Fine Art, Goldsmiths, University of London · 2020 Surim Art Award · 2024 Art Basel Statements sector selection
Practice
신기술이 제공하는 환상과 그 이면에 숨겨진 가능성을 조각으로 탐구한다. 송진·수초·버섯 같은 자연물과 인공 재료를 혼합해 자연과 인공의 경계를 오가는 독자적인 조형 세계를 구축한다. 대표작: 〈배럴아이〉(VR 영상+조각, 2022), 〈점보 쉬림프〉(2021), 〈택시더미아〉. 옴니버스 소설 『언급되지 않을 것들의 흔적』(2018)을 집필했다. 수림아트센터 소장 작가.
Oh Myocho investigates the illusions generated by new technology and the possibilities concealed beneath them. Her sculptures blend natural materials — pine resin, aquatic plants, mushrooms — with synthetic ones, building a visual language that moves fluidly between the natural and artificial. Major works: Barrel Eye (VR video + sculpture, 2022), Jumbo Shrimp (2021), Taxidermia. She also authored the omnibus novel Traces of Things That Will Not Be Mentioned (2018). Works held by Surim Art Center, Seoul.
주요 전시Major Exhibitions
2026《어디에나 있고 어디에도 없을》 경남도립미술관 / Gyeongnam Art Museum –2026.6
2026《The Collapse Manual Ep.02》 AOD Museum –2026.3
2025《Cell Struggles》 Foundry Seoul · 24th SongEun Art Award, Seoul
2024Art Basel Statements · 《집(ZIP)》 ARKO Art Center · 《Art & AI》 Ulsan Art Museum
b. 1971, 서울, 한국 · 거주: 뉴욕 · 한국계 미국인b. 1971, Seoul, South Korea · Lives: New York · Korean-American
Bio ArtMultisensory InstallationAI / Ecology
Artist Statement
"I'm interested in what it means to be a body in relation to other bodies — bacterial, machine, animal — and how smell, which carries both memory and immune information, can be a medium for thinking about those relationships."
Practice
곤충·박테리아·AI·향기를 매체로, 냄새의 정치적·젠더적 역사와 유기체–기계 사이의 관계를 탐구한다. 작업실은 과학 실험실에 가깝게 운영되며, 생물학자·화학자와의 협업이 작업의 토대다. 서른 중반에 본격적으로 미술을 시작해 2011년 뉴욕 47 Canal 첫 개인전으로 주목받았다. 대표작: 〈7,070,430K of Digital Spit〉(박테리아로 그린 캔버스 회화, 2015), 〈In Love With The World〉(테이트 모던 터빈홀 현대자동차 커미션, 2021 — AI로 조종되는 생체형 기계 '에어로브'들이 공간을 부유), 켈프 조각 연작.
Yi works with insects, bacteria, AI, and scent to explore the political and gendered history of smell and the relationships between organisms and machines. The studio functions as a laboratory; biologists and chemists are central collaborators. She began making art seriously in her mid-thirties, debuting at 47 Canal, New York in 2011. Key works: 7,070,430K of Digital Spit (bacterial paintings, 2015) and In Love With The World (Tate Modern Turbine Hall Hyundai Commission, 2021) — AI-piloted biomorphic 'aerobes' floating through the hall in response to their environment.
주요 전시Major Exhibitions
2026《Message from the Mud》 Storm King Art Center first large-scale outdoor project — cultivating algae and cyanobacteria
2025《Karmic Debt》 Museum of Fine Arts, Houston
2024《또 다른 진화가 있다, 그러나 이번에는》 Leeum Museum, Seoul → 2025 UCCA, Beijing
2021《In Love With The World》 Tate Modern Turbine Hall (Hyundai Commission)
2017Korean Pavilion, Venice Biennale
2015Frieze Artist Award
경매가Auction Records
기관 커미션 중심의 실천으로 2차 경매 기록 제한적. 소형 조각·사진 작품: $20,000–$200,000 범위. 테이트·베니스 비엔날레의 기관적 위상이 아직 경매 시장 깊이로 완전히 전환되지 않은 단계.
Practice is primarily institutional commission-based; secondary market records limited. Small sculptures and photographs: $20,000–$200,000. The institutional prestige (Tate, Venice Biennale) has not yet fully translated into auction market depth.
b. 1974년 7월 20일, 아일랜드 북 티퍼레리 · 아일랜드b. 20 July 1974, North Tipperary, Ireland · Irish
Digital SimulationReal-Time CGIEcology / Power
학력Education
BFA, 러스킨 드로잉·미술학교, 옥스퍼드 · 시카고 예술대학원 · 트리니티 컬리지 더블린, 컴퓨터공학
BFA, Ruskin School of Drawing and Fine Art, Oxford · Postgraduate, School of the Art Institute of Chicago · Computer Science, Trinity College, Dublin
Artist Statement
"The nature of contemporary power in the broadest sense is central to my motivation — structures of control and networks of energy that have made possible the expansion of humanity in the past century."
Practice
게임엔진 기반 실시간 시뮬레이션 — 영상처럼 보이지만 수개월~수년에 걸쳐 제작된 가상 세계. 권력 구조와 에너지 네트워크, 기후, 군사 지정학이 주제다. 지리적으로 격리된 장소(미국 대평원, 고비 사막, 지부티)를 작업 무대로 삼는다. 대표작: 〈Solar Reserve (Tonopah, Nevada)〉(2014) — 10,000개의 거울이 태양광을 포집하는 발전소를 365일 실시간 시뮬레이션; 〈Western Flag (Spindletop, Texas)〉(2017) — 최초 유전 자리에 세운 검은 연기의 깃발.
Real-time computer simulations built on game-engine technology — they look like video but are generated continuously in real time over months or years. The subjects are global power structures: energy networks, military geopolitics, and climate. He locates works in remote, geopolitically significant sites — the American Great Plains, the Gobi Desert, Djibouti. Key works: Solar Reserve (Tonopah, Nevada) (2014), a year-long real-time simulation of a solar power plant; and Western Flag (Spindletop, Texas) (2017), a flag of black smoke over the site of the world's first oil well.
2019《Western Flag》 Thyssen-Bornemisza, Madrid · Rathausmarkt, Hamburg
2018《Solar Reserve》 LACMA, Los Angeles
2014Solar Reserve, Lincoln Center Plaza, New York (Public Art Fund)
200953rd Venice Biennale collateral event
경매가Auction Records
실시간 시뮬레이션 작품은 에디션 기반. Pace Gallery와 함께 NFT·디지털 에디션 실험 (Petro National, Pace Verso × Art Blocks, 2022). 공개 경매 기록 제한적.
Real-time simulation works are edition-based. Digital edition experiments with Pace Gallery (Petro National, Pace Verso × Art Blocks, 2022). Public auction records limited.
b. 1983, 칠레 테무코 · 거주: 파리 · 칠레b. 1983, Temuco, Chile · Lives: Paris · Chilean
PaintingLiminal LandscapeMemory / Archive
학력Education
BA 순수미술, 칠레 가톨릭대학교, 산티아고 · 대학원 수료, 첼시 예술대학, 런던 (2006)
BA Fine Arts, Pontifical Catholic University of Chile, Santiago · Postgraduate Diploma, Chelsea College of Art, London (2006)
Artist Statement
"My paintings explore place as both a physical environment and an emotional state that transcends time and geographical boundaries — combining memory with archival images to create spaces that teeter on the edge of reality and dream."
Practice
장소를 물리적 환경이자 시공을 초월한 정서적 상태로 다룬다. 개인 기억과 아카이브 이미지를 뒤섞어 현실과 꿈 사이 어딘가에 존재하는 풍경을 그린다. 구체적 디테일과 추상 사이의 팽팽한 긴장이 향수·기원·정체성에 대한 질문을 복잡하게 만든다. 유년기를 보낸 아라우카니아 지역의 역사 — 마푸체 원주민과 칠레 정부 간 토지 갈등 — 가 작업 전반에 깔려 있다. 수집처: Pizzuti Collection (콜럼버스 미술관) 등.
Pooley treats place as both a physical environment and an emotional state that transcends time — combining personal memory with archival images to produce landscapes existing between reality and dream. The tension between specific detail and abstraction complicates questions of nostalgia, origin, and identity. Her childhood in the Araucanía region — shaped by the long conflict between the Mapuche people and the Chilean government — underlies the work throughout. Collections: Pizzuti Collection (Columbus Museum of Art).
주요 전시Major Exhibitions
2026《Trilla》 Galerie Perrotin, Shanghai 2026.5.30–8.22 — first solo in mainland China
2025《Imaginary Country》 Galerie Perrotin, New York
2024《Geographies of Love》 Gallery 38, Tokyo · Kristin Hjellegjerde, West Palm Beach
2023《Profundidad》 Galerie Perrotin, Hong Kong
2021《The Need for Roots》 Kristin Hjellegjerde, London · 《Distance》 Gallery 38, Tokyo
2018《Landscape Beneath》 Bendana Pinel, Paris
경매가Auction Records
MutualArt 기준 낙찰가 범위: $708–$5,479 (소형 작품 기준). 갤러리 1차 시장: 중형 회화 €8,000–€25,000 추정 (Perrotin 전속 이후 상승 중).
b. 1967, 덴마크 코펜하겐 · 거주: 베를린/코펜하겐 · 아이슬란드계 덴마크b. 1967, Copenhagen, Denmark · Lives: Berlin / Copenhagen · Icelandic-Danish
InstallationLight / AtmosphereClimate / Ecology
Artist Statement
"Art is not a thing, it is a relation — between the work, the viewer, and the context. My interest lies in the act of perceiving: what it means to experience space, light, and movement, and what it tells us about how we see the world."
Practice
빛·바람·물·이끼·무지개 등 과학적 현상과 자연 요소를 주제가 아닌 능동적 재료로 사용한다. 지각·신체성·기후위기의 교차점에서 작동하는 예술이다. 베를린의 Studio Olafur Eliasson은 장인·건축가·과학자·예술가 100여 명이 협업하는 독특한 집단 구조로 운영된다. 대표작: 〈The Weather Project〉(테이트 터빈홀, 2003 — 2,000여 개의 전구로 재현한 거대한 태양, 약 200만 명 관람), 〈Beauty〉(1993 — 스포트라이트·물·안개로 구현한 실내 무지개), 〈Ice Watch〉(그린란드 빙하를 도시 광장으로 직접 가져와 녹이는 기후 행동). 에너지 빈곤 해소를 위한 태양광 조명 'Little Sun'도 개발했다.
Eliasson uses natural phenomena — light, wind, water, moss, rainbows — not as subjects but as active materials. His work operates at the intersection of perception, embodiment, and the climate crisis. Studio Olafur Eliasson in Berlin is a collective of around 100 craftspeople, architects, scientists, and artists. Major works: The Weather Project (Tate Modern, 2003 — an artificial sun from 2,000 bulbs, approximately two million visitors); Beauty (1993 — an indoor rainbow from spotlights, water, and mist); Ice Watch (glacial ice transported from Greenland to city squares). He also developed Little Sun, an open-source solar light for communities without electricity.
주요 전시Major Exhibitions
2026《Your curious journey》 MCAD Manila 2026.7.9–11.15 — final stop of Singapore/Auckland/Taipei/Jakarta tour
b. 1948, 네덜란드 스헤베닝겐 · 거주: 델프트 · 네덜란드b. 1948, Scheveningen, Netherlands · Lives: Delft · Dutch
Kinetic SculptureWind PowerArtificial Life
학력Education
물리학, 델프트 공과대학교 (중퇴 후 예술 전업)
Physics, Delft University of Technology (left to pursue art)
Artist Statement
"The walls between art and engineering exist only in our minds. I am trying to create new forms of life: not in a petri dish, but on the beach, from plastic tubes and the wind."
Practice
PVC 튜브·케이블타이·페트병으로 만들고 바람만으로 움직이는 키네틱 조각 〈Strandbeest(해변 생물)〉 연작. 자연선택의 원리를 예술 실천으로 압축한 35년 이상의 1인 진화 프로젝트다. 매년 봄 새로운 종을 발표하고 가을에 '뼈 무덤(boneyard)'으로 은퇴시킨다. 각 세대는 이전보다 더 효율적으로 보행·에너지 저장·환경 감지를 수행하도록 개선된다. 1990년부터 네덜란드 북해 해변에서 실험을 이어오고 있으며, Honda·BMW 등 기업 캠페인을 통해 대중적 인지도를 확보했다. 전속 갤러리 없이 재단·기업 후원 구조로 운영된다.
Strandbeest (beach animal) — kinetic sculptures from PVC tubing, cable ties, and plastic bottles, powered only by wind. A 35-year solo evolution project compressing the logic of natural selection into art practice. Each spring a new species is released; each autumn it is retired to the boneyard. Each generation is improved: more efficient at walking, storing energy, sensing the environment. He has worked on the North Sea coast since 1990. Mass recognition through Honda and BMW campaigns. He operates without a gallery, through foundation and corporate patronage.
2023Peabody Essex Museum, Salem · Tinguely Museum, Basel
2014MoMA, New York permanent collection: Animaris Ordis
2009Exploratorium, San Francisco first major US tour
경매가Auction Records
전속 갤러리 없음. 구형 Strandbeest 유닛: 재단 또는 직접 계약으로 뮤지엄·컬렉터 납품, 주요 단위 €100,000–€500,000+ 추정. 소형 3D 프린트 복제(비원본): €200–€1,000.
No primary gallery. Retired Strandbeest units sold directly or through foundation to museums and collectors; major units estimated €100,000–€500,000+. Small 3D-printed replicas (non-original): €200–€1,000.
b. 1979, 스페인 무르시아 · 거주: 마드리드 · 스페인b. 1979, Murcia, Spain · Lives: Madrid · Spanish
Colour FieldMinimalismSynaesthesia
학력Education
BA 미술사, 무르시아 대학교 (2001) · MA 패션커뮤니케이션, 카를로스3세 대학교, 마드리드 (2006) · 독학 화가
BA Art History, Murcia University (2001) · MA Fashion Communication, Carlos III University, Madrid (2006) · Self-taught painter
Artist Statement
"I feel colours in words — mainly in certain letters. That's why I work with colour in an emotional manner. It is a language of my own."
Practice
공감각(synaesthesia)에서 출발한 아크릴+연필의 색면 회화. 단어와 특정 알파벳에서 색을 경험하는 감각을 캔버스로 옮긴다. 최근에는 실루엣이 화면에 서서히 떠오르고, 크로셰(코바늘 뜨개) 작업이 회화와 결합되는 방향으로 발전 중이다. 스스로를 '공허에 질서를 세우기 위해 글 쓰고 뜨개질하는 화가'라고 규정한다. 작품 제목은 일상의 만트라와 음악에서 가져온다. 2003년부터 전시 활동을 이어오고 있다.
Colour-field painting in acrylic and pencil, originating in synaesthesia — Quiñonero experiences colour in words and individual letters. Recent work has evolved to include silhouettes emerging gradually from the surface, and crochet combined with painting. She describes herself as 'a painter who writes and knits to impose order on the void.' Work titles come from everyday mantras and music. Exhibiting since 2003.
주요 전시Major Exhibitions
2026《A Quiet Place》 Voltz Clarke, New York new works
2025《CASA VACÍA》 Alzueta Gallery, Madrid 2025.9–10 — poetry collection published simultaneously
2025《LA EXTRANJERA》 Palacio Almudí, Murcia first institutional solo — return to hometown
2023《QY2023》 Alzueta Gallery, Madrid (with Maria Yelletisch)
2021Solo exhibition, Alzueta Gallery, Barcelona
2020《WHAT IF?》 Voltz Clarke Gallery, New York
경매가Auction Records
갤러리 1차 시장 중심. 대형 아크릴 회화 (160×260cm): €15,000–€35,000. 소형 종이 작품: €2,000–€5,000. 공개 경매 기록 제한적.
Gallery primary market. Large acrylic paintings (160×260cm): €15,000–€35,000. Small works on paper: €2,000–€5,000. Public auction records limited.
